Елена Мартынова, бывшая жена Shaman, поделилась снимками в откровенном наряде. В подписи к фотографиям она обратилась к публике, попрощавшись с уходящим годом.
Shaman. Фото: Legion-media
«С наступающим! Уходящий год был для меня непростым, но я его отпускаю с легким сердцем. Очень давно я не чувствовала себя такой свободной! 2025 – год змеи. Мой год. И я его с нетерпением жду! Хорошего всем года, праздничного настроения, добрых и преданных людей рядом!» – написала медиаменеджер в личном блоге.
Елена Мартынова. Фото: социальные сети
Елена Мартынова. Фото: социальные сети
Напомним, Мартынова и Shaman объявили о разводе в октябре, показав свидетельство о расторжении брака. Причиной расставания, по словам экс-супругов, стали загруженные графики. Елена призналась, что решение было принято обоюдно.
Как рассказал Shaman, в какой-то момент он неожиданно понял, что отношения изжили себя. По слухам, певец оставил Мартыновой большую часть совместно нажитого имущества. артист косвенно подтвердил эту информацию.
«Я взял пару чемоданов, все необходимое, и поехал на гастроли. Если я ухожу, то оставляю все. Я все отели в Москве собой обтер. Я не жалуюсь. Просто такой период в жизни», – поделился исполнитель в шоу «Новые русские сенсации» на НТВ.
Киностудия Горького, входящая в состав Московского кинокластера, выпустила новогоднюю фэнтезийную комедию «Письмо Деду Морозу». С 25 декабря этот приключенческий фильм для всей семьи стал доступен подписчикам онлайн-кинотеатров «Кинопоиск» и Wink.
В центре сюжета — юрист Петр Безуглов (Антон Филипенко), который то и дело пропадает на работе. В его жизни нет места спонтанности, потому что каждый день поминутно распланирован. Ситуация меняется, когда его сын Ваня (Константин Каримов) обнаруживает старые письма папы, адресованные Деду Морозу. Мальчик отправляет их по назначению, опустив в волшебный почтовый ящик. После этого детские мечтания Петра начинают сбываться, что оборачивается сущим хаосом: разливаются реки сладкой газировки, игрушки оживают, а в качестве его новой жены в доме появляется настоящая Наталия Орейро.
В актерский состав также вошли такие именитые артисты, как Иван Охлобыстин, Кристина Асмус, Екатерина Темнова, Мирон Проворов, Дима Билан и другие.
«Письмо Деду Морозу» — флагманский проект Киностудии Горького, которая в 2025 году отпраздновала свой 110 день рождения. Это первый крупный фильм студии в составе Московского кинокластера.
Фото: Киностудия Горького
Виктория Аморина Теги: Комедия Фэнтези Премьера Российское кино Письмо Деду Морозу Антон Филипенко Константин Каримов Наталия Орейро Иван Охлобыстин Кристина Асмус Екатерина Темнова Мирон Проворов
Не так давно Ксения Бородина объявила о помолвке с Николаем Сердюковым. Сейчас телеведущая стала гостьей шоу «Ваша Наташа», где высказалась о новом браке своего экс-супруга Курмана Омарова.
Ксения Бородина. Фото: cоциальные сети
«Когда мы с ним расходились, я узнала об измене. Это тоже стало одной из причин расставания. Последняя капля, так сказать. И он тут же от меня перешел в те отношения. Сразу же! То есть то, что они говорили, абсолютная неправда. Их отношения случились в нашем браке. Два года существовали. Просто они были не единственными, понимаешь? Дальше мы разводимся, и люди сразу же съезжаются и живут вместе. Как будто и не расставались», — рассказала ведущая.
Курбан Омаров с женой Валерией. Фото: социальные сети
Напомним, Ксения и Николай познакомились во время съемок шоу «Последний герой. Русский сезон», в котором звезда была ведущей, а Сердюков — участником. К концу программы они поняли, что влюблены и начали отношения. Как призналась Ксения, чувства к мужчине у нее возникли не сразу. Сначала Сердюков казался звезде нарцистичным, но позже она увидела его с другой стороны.
Что касается Курбана, в феврале этого года он сделал предложение руки и сердца своей нынешней возлюбленной Валерии, и она сказала «Да!». Однако о том, что пара сыграла свадьбу^ стало известно только в мае. Летом супруги сообщили, что ждут ребенка. У пары будет мальчик.
Под конец года уже как будто не осталось сил на глубокие размышления и сложные смыслы. Хотелось простого, понятного и красивого. Кроме «F1», нашелся и другой визуальный аттракцион.
«Франкенштейн» — возможно, самый красивый фильм, вышедший в этом году. У Гильермо дель Торо получилась ужасающе прекрасная сказка. Викторианская и готическая эстетика, безупречная цветовая палитра и кадры, больше похожие на живописные полотна. Даже легкая театральность происходящего становится частью местного шарма. В сюжете нет экстравагантных переосмыслений и неожиданных ходов: почти все так, как завещала Мэри Шелли.
Для меня «Франкенштейн» просто совпал с новогодним настроением. Это не кино на века, но точно одно из самых ярких визуально‑звуковых наслаждений года. Наслаждаемся прекрасным здесь и сейчас — на большее в 2025-м надеяться не приходится.
Вероника Скурихина, кинообозреватель
«F1» (реж. Джозеф Косински)
Не все девочки любят Брэда Питта, не все мальчики любят гонки. Но «F1» удивительным образом соединил эти аудитории в кинозалах мира. Да, без миллиардных сборов, но с ревом обсуждений, сопоставимым с ревом моторов, можно ли в 2025 году снимать такое кино и почему оно так бесстыдно нравится. Маскулинное, шаблонное, демонстративное и при этом завораживающее, эффектное и комфортное. Кино, в котором все ходы известны заранее, но этим оно и нравится. Это новый фильм, с одной стороны, с ультрасовременной технологичной съемкой, и старый, с другой, который пересматриваешь всякий раз, когда не знаешь, что посмотреть. Этот фильм выступает в пику всем «Миссиям: невыполнима», показывая, что не только Том Круз в Голливуде вечно молодой и рисковый «мужчина в самом расцвете сил», и одновременно поддерживает всю эту братию крепких и ярких любимцев публики 50+, которые выглядят не как наши папы (привет фильму «Скуф»), а как потенциальные постеры на стене в комнате 14-летней девочки (ну или 24-летней). В нем есть мужская несгибаемость, модная в 80-е, что делает кино олдскульным, и их же современная хрупкость, которую Питт демонстрирует на крупных молчаливых планах, не пытаясь быть нежнее, чем он есть на самом деле. В каком-то смысле, это честное кино, которое не пытается разрушить никаких стереотипов, оно просто уверенно катится по трассе, подходя к тому самому опасному повороту, за которым героя вместе со зрителем ждет состояние невесомости. Дорогое, но чистое guilty pleasure.
Максим Федоров, редактор раздела «Сериалы»
«Метод исключения» (реж. Пак Чхан-ук)
Уморительная сатира о менеджере, которого система превращает в маньяка, убивающего конкурентов за рабочее место. Взяв за основу американский роман 30-летней давности, Пак Чхан-ук перенес действие в современный Сеул, показав, что проблемы классового неравенства и зависимости от социальной роли стали лишь актуальнее. В особенности — для Южной Кореи, где, как выражается главный герой, «увольнение равнозначно смерти». Постановщик нажимает на болевые точки общества, но обходится без нравоучений, упаковывая тяжелую тему в формат черной комедии. Доведенный до ручки обыватель трансформируется в неловкого маньяка, каждое преступление которого оборачивается фарсом. Причем мстит он не тем, кто разрушил его жизнь, а таким же работягам, как и он сам. Иронично и то, что жертву капитализма играет Ли Бен-хон, в «Игре в кальмара» выступавший на стороне угнетателей. Впрочем, главным злодеем все равно оказывается ИИ.
София Маргацкая, кинокритик
«Новая волна» (реж. Ричард Линклейтер)
Линклейтер красиво встает на волну тренда снимать кино о закулисье кинематографа. Продолжая тематики, начатые Гондри в «Книге решений» или Дюпье во «Втором акте» еще в прошлом году, режиссер маскирует пылкое признание в любви кино за формой байопика. Якобы погружаясь в те двадцать дней, когда великий Жан-Люк Годар снимал свой дебют «На последнем дыхании», Линклейтер очень точно и при этом очень весело и легко вырисовывает портрет целой эпохи, которая подарила всем нам французскую новую волну. Самое интересное, что в этом псевдобайопике рядовой зритель сможет проникнуться личной историей творческой смекалки, упорства и зависти как двигателя идей. Истинный же синефил однозначно насладится тонкими отсылками, локальным юмором и признанием того, что кино — это всегда по любви и только для отважных. Линклейтеру удалось создать сложный многоплановый фильм, имеющий все шансы завоевать сердце очень большой аудитории, даже той, которая впервые слышит имена Годара, Трюффо, Брессона и многих других.
Арина Виногородская, кинокритик
«Гадкая сестра» (реж. Эмили Блихфельдт)
Переосмысление известных сказок с точки зрения антагонистов — идея не новая, но в своем дебютном фильме Эмили Блихфельдт идет туда, куда ее предшественники не решались. Старшая сводная сестра Золушки Эльвира (невероятная во всех смыслах роль Леа Мюрен) — никакая не злодейка и не завистница. Она сентиментальная девушка, воспитанная на романтических сказках и отчаянно влюбленная в прекрасного принца. Но вот незадача: в отличие от красотки-Золушки, которой любовь и внимание достаются по щелчку пальцев, дурнушке Эльвире не светит ничего, кроме насмешек и плохо скрытого пренебрежения. Чтобы отвоевать место под солнцем и «стать лучшей версией себя», в ход пойдет все: изнурительные диеты, корсеты, иглы и даже нож. Получилось местами прекрасное, а местами омерзительно-отталкивающее (в визуальном плане «Гадкая сестра» гораздо радикальнее недавней «Субстанции») высказывание о попытках вписаться в рамки, в которых внешнее превалирует над внутренним, справедливости не существует, а красота вовсе не обязательно соседствует с добродетелью. В конце концов, единственным человеком, способным проявить к Эльвире простое человеческое участие, окажется не прекрасный (на самом деле, ужасный) принц, не Золушка (которая здесь не такая уж добрая и невинная), не жадная до денег мать, а ничем не примечательная младшая сестра Альма, выбравшая единственно верный способ выиграть в этой гонке — отказаться играть.
Гия Сичинава, кинокритик
«Голубая луна» (реж. Ричард Линклейтер)
2025-й кажется годом негромких работ. Пока Ари Астер и Пол Томас Андерсон пытались в своих амбициозных и масштабных по меркам авторского кино проектах реанимировать славные времена Нового Голливуда, ухватив дух времени за хвост, многие другие режиссеры разыгрывали небольшие человеческие драмы и комедии (см. «Сентиментальная ценность», «Прости, детка», «Чудаки из Балтимора», etc.). Среди этих других особенно выделяется Ричард Линклейтер, представивший в 2025-м сразу два замечательных фильма.
Громкая слава его «Новой волны» оставила в тени не уступающую ей в изяществе «Грустную луну» — картину одного вечера из жизни шута и поэта-песенника Лоренца Харта, чьи слова воспели музыка Ричарда Роджерса и голос Билли Холлидэй (знаменитая песня Blue Moon, подарившая название фильму, — один из многих написанных им хитов).
Линклейтер безошибочно верный тональности его стихов — элегантных и соблазнительных, сентиментальных и иронических — по театральному загоняет Харта в угол, наблюдая за последним рывком его изъеденного самоиронией сердца к общему для всего рода человеческого финалу в самых подходящих для этого декорациях плещущегося в негромких отсветах янтарного виски бара, где его бывший напарник Дик Роджерс празднует успех своего нового мюзикла «Оклахома!». Триумф одного означает неизбежный крах второго. Что Роджерсу — жизнь, то Харту — смерть: одинокая, берущая в свидетели устало подмигивающую холодным полумесяцем Луну (разумеется, грустную).
Историю последних дней плешивого коротышки Харта — неприлично обаятельного поэта с чистым сердцем, пропитой печенью и грязным языком — Линклейтер превращает в слишком многим из нас понятную драму о том, что нас если и любят, то не так, как нам бы этого хотелось, пользуясь методами старого доброго «папиного кино», с которым так неистово сражалась «Новая волна». «Грустная луна» (перевод «Голубая луна» кажется чересчур буквальным и при этом неточным) — кино исключительно элегантное в своей верности слову, почти театральное в своей камерности и приверженности единству времени, места и действия. Линклейтер доказывает, что автор выше суммы своих приемов, а кино у каждого не только свое, но еще и очень разное. Оставлять подобное подтверждение режиссерской виртуозности без упоминания было бы просто непростительно.
Ася Заболоцкая, кинокритик
«Воскрешение» (реж. Би Гань)
Что же такое кино? Живет ли оно? Дышит ли оно? Есть ли у него лицо? Можно ли считать, что каждый фильм — это отдельные маски, которые оно меняет от проекта к проекту?
Би Гань, китайский режиссер-виртуоз, создал целую личность кинематографу в своем новом фильме «Воскрешение». Сначала она совершенно немая, хаотичная, как маленький ребенок, еще не научившийся произносить слова, позже начинает познавать мир и делать первые шаги, следом становится бунтующим подростком, а в конце находит стабильность и гармонию в своей жизни.
«Воскрешение» — это кинематографическая Библия, где Би Гань показывает разные периоды кинематографа, наполняя их лицами, запахами и душами. Фильм живет, у него есть сердце, не надо его хоронить раньше времени. Вы только посмотрите, как фантасмагория сменяется неоновыми лампами, как драматургия от «чеховского ружья» переходит в нелинейность. На это способен только кинематограф и никакое другое медиа — Би Гань это прекрасно понимает и просто снимает настоящее любовное письмо кино.
Поэтому какой еще фильм может стать самым важным личном для меня. Конечно тот, который все еще верит в настоящую магию кино.
Полина Резникова, кинокритик
«28 лет спустя» (реж. Дэнни Бойл)
Прошло больше двадцати лет с тех пор, как зрители впервые увидели Киллиана Мерфи, идущего в полном одиночестве по пустынным улицам Лондона. «28 дней спустя» вывели жанр зомби-хоррора из разряда нишевого кино и доказали, что даже без денег, но с оригинальной идеей и дерзким монтажом можно снять вечную классику. Картина положила начало совершенно новой эстетике, а ее создатели заняли место в пантеоне лучших режиссеров поколения. Дэнни Бойл позже получил премию «Оскар», а сценарист Алекс Гарленд превратился в ведущего автора и постановщика научной фантастики. Их воссоединение могло обернуться очередной погоней за кассой в эпоху франшизного производства, но вместо этого стало образцовым примером того, каким многослойным может быть хоррор-фильм.
Авторы отдают дань оригиналу: культовость «28 дней спустя» во многом обусловлена ограниченным бюджетом, поэтому новый фильм в основном снят на iPhone 15. Идейно Бойл и Гарленд вновь больше склоняются к философским рассуждениям, чем к кровавому боевику. Картина пропитана недоверием к отцовской фигуре и сложившемуся укладу, поднимает вопросы о границах защищенности и изоляции. В солнечных полях скрываются эволюционировавшие зомби, смертельная угроза нависает вместе с красотой бескрайнего космоса, а в попытке излечения таится погибель. Создатели находят идеальный баланс контрастов — между уважением к картине, запустившей их карьеру, и тем, как выросли они сами и возможности индустрии за прошедшее время. Нас ждет еще два продолжения, и следующее, «Храм из костей», откроет парад самых ожидаемых лент 2026 года с премьерой уже в январе.
Ольга Корф, кинокритик
«Сентиментальная ценность» (реж. Йоаким Триер)
«Сентиментальная ценность» — скандинавская лирическая драма, в которой встречаются дух Норы из ибсеновского «Кукольного дома» с прозрением пожилого гения Борга из «Земляничной поляны». Но камера Йоакима Триера следует не за холодным «бергмановским» патриархом (Стеллан Скарсгард), а за его надломленной дочерью-актрисой (Ренате Реинсве). От ее имени Триер (сам отец двух дочерей) исследует мучительную дилемму: совместимы ли гений и родительская чуткость? Ответом становится семейный портрет, отпечатавшийся в воспоминаниях и застывший в доме — еще одном главном герое картины. Но если для ибсеновской Норы дом был клеткой, то для Норы Триера фамильный особняк — живое, дышащее существо. Он хранит тепло шумных ужинов и эхо ссор, его трещины — шрамы от обид, а старая печь становится ухом, подслушивающим семейные тайны. Триер показывает, как искусство из предмета конфликта превращается в единственный возможный способ общения, а затем и в инструмент для примирения. Безусловно, одна из самых сильных и эмоциональных картин года.
Юрий Волошин, редактор
«Грешники» (реж. Райан Куглер)
Вампирская тема в кино и сериалах исследована вдоль и поперек, поэтому тем ценнее редкие жемчужинки, которые придают избитым сюжетам новое измерение в свежей форме. Публика поспешила сравнить «Грешников» с «От заката до рассвета» Роберта Родригеса ввиду некоторых фабульных сходств, однако стоит признать, что у Куглера получилось не только развлекательное зрелище, но также яркое и киногеничное высказывание на тему культурной идентичности. Обаятельный и хитроумный вампир Реммик, заставший еще времена, когда его родная Ирландия не знала христианства, призывает присоединиться к экстатическому коллективному танцу, позабыв об индивидуализме и собственных корнях. Вы готовы отплясывать в унисон с толпой или все-таки предпочтете сохранить островок собственной самобытности и разнообразия, средоточием чего в фильме становится афроамериканский блюз — вот один из вопросов, который ставит Куглер в «Грешниках». На самом деле ответ не так очевиден. Впрочем, снять это кино стоило уже хотя бы ради центральной сцены, в которой под магическую музыку происходит сосуществование разных эпох.
Киноафиша.инфо Теги: Киноитоги Киноафиша рекомендует Франкенштейн Формула 1 Метод исключения Новая волна Гадкая сестра Голубая луна Воскрешение 28 лет спустя Сентиментальная ценность Грешники
Вскрылись секреты и интересные факты о фильме «Американский пирог»
Нерассказанная история съемок фильма, который перевернул жанр молодежной комедии и навсегда изменил поп-культуру
Те, чье детство пришлось на 90-е, должны помнить этот фильм. И хихикнуть в руку, когда вспоминаются кадры из него. Вы же ходили на премьеру с друзьями? Или мотали видеокассету на видике у кого-то дома?
А между прочим, в конце 90-х произошел настоящий бум молодежных комедий. Фильмы о старшеклассниках, их любовных похождениях и забавных перипетиях пользовались огромной популярностью. И если говорить о самой культовой и знаковой картине этого жанра, то, без сомнения, ею стала комедия «Американский пирог». Однако за веселыми и порой скандальными сценами скрывается увлекательная история создания, полная неожиданных кастингов, актерских импровизаций и творческих компромиссов.
Вот об этом и поговорим.
Изначально актриса Элисон Хэнниган должна была сыграть целомудренную хористку Хэзер. Но после прочтения сценария она сама попросила дать ей роль флейтистки Мишель, и создатели пошли ей навстречу. Эта роль подарила ей одну из самых запоминающихся реплик фильма. Фраза «Скажи мое имя, сучка!» в постельной сцене на выпускном была чистой импровизацией Хэнниган. Съемочной группе настолько понравилась эта спонтанная реплика, что ее решили оставить в финальной версии фильма.
Одной из самых обсуждаемых и технически сложных стала сцена, где Джим натягивает носок. Для создания нужного эффекта реквизиторы использовали сосиску, нанизанную на карандаш и завернутую в фольгу. Актер Джейсон Биггз, исполнявший роль Джима, позже признавался, что когда он клал этот «реквизит» между ног, сосиска все еще была горячей, что доставляло ему жуткий дискомфорт.
Именно «Американский пирог» популяризировал в массовой культуре аббревиатуру MILF. В одной из сцен актер Джон Чо, играющий одного из второстепенных персонажей, произносит эту фразу, глядя на портрет матери Стифлера. После премьеры фильма дети постоянно кричали эту аббревиатуру вслед актеру, что сначала смущало, а потом и раздражало его. Для самого Чо, американца корейского происхождения, эта роль стала важным шагом в карьере, так как его персонаж был представлен не как иностранец, а как самый обычный американский подросток.
Многие запомнили и тот самый «молочный коктейль», который с отвращением пил Стифлер. На самом деле это был коктейль из пива со взбитыми яйцами. А знаменитый пирог, над которым надругался Джим, по сюжету испеченный его матерью, на деле был самым обычным пирогом, купленным в ближайшем супермаркете Costco.
Сценарист Адам Херц создавал образ Стифлера, основываясь на поведении своего одноклассника по имени Брайан. Он хотел написать хорошую комедию в духе 80-х, так как считал, что жанр молодежного кино в 90-е пришел в упадок. Свой сценарий он написал всего за шесть недель, а продал его студии Universal Pictures за 650 тысяч долларов. Первоначально на титульной странице он написал: «Пока не имеющая названия молодежная комедия, которую можно снять меньше чем за 10 миллионов и которая многих прочитавших, вероятно, возмутит, но вам, я думаю, она понравится».
Бюджет фильма в итоге составил 11 миллионов долларов, а его мировые сборы достигли ошеломляющих 235,5 миллионов, сделав картину одним из самых кассовых школьных фильмов всех времен. При этом гонорары актеров сильно разнились. Джейсон Биггз получил за съемки 1 миллион долларов, а Шон Уильям Скотт, сыгравший Стифлера, на тот момент никому не известный, получил всего 8000 долларов. На эти деньги актер купил себе поддержанный автомобиль. Интересно, что Скотт просил свою маму никогда не смотреть фильм, но это лишь подогрело ее интерес. По слухам, она даже пришла в магазин и, спросив диск, добавила: «Я мама Стифлера», вызвав смех у окружающих.
Образ же экранной «мамы Стифлера», соблазнительной миссис Робинсон из местного пригорода, воплотила актриса Дженнифер Кулидж. Несмотря на то что ее персонаж появился лишь в одной сцене, он стал невероятно запоминающимся, во многом благодаря раскрепощенной импровизации Кулидж. Именно в диалоге с ее портретом прозвучала аббревиатура MILF, которую выкрикивает персонаж Джона Чо. Сам актер позже признавался, что до этих съемок не был знаком с этим термином, и ему было неловко его произносить.
Отдельная история связана с Юджином Леви, сыгравшим отца Джима. Актер был разочарован первоначальной трактовкой своего персонажа, который казался ему слишком простоватым. Он даже хотел покинуть проект, но после переговоров с создателями получил право вносить правки и импровизировать. Практически все его реплики в фильме — результат этой самой импровизации. Леви хотел сделать отца адекватным, но навязчивым, чтобы сыну было стыдно тусоваться с таким родителем.
Интересно сложилась и судьба названия. Изначально фильм планировали назвать «Great Falls» в честь школы, где учились герои. Однако после тестовых показов выяснилось, что самой запоминающейся и неожиданной для аудитории стала именно сцена с пирогом. Так и родилось окончательное название «Американский пирог», которое отсылает не только к яблочному десерту, но и к поговорке «As American as apple pie» («Такой же американский, как яблочный пирог»).
Съемки некоторых сцен проходили с трудностями. Например, для Джима был нанят дублер для постельных сцен, но незадолго до съемок тот перенес операцию, оставившую на его животе 20-сантиметровый шрам. Это не соответствовало образу персонажа, поэтому дублера уволили, а все сцены Джейсон Биггз исполнил самостоятельно.
Успех фильма во многом определила и работа режиссеров-дебютантов — братьев Пола и Криса Вайцев. Они увидели в истории Херца не просто набор гэгов, а драму взросления. Их подход к кастингу был нестандартным: они искали свежие лица, которые выглядели бы настоящими подростками. Шон Уильям Скотт, работавший перед этим консультантом в отделе сантехники магазина Home Depot и «ходивший между рядами с деловым видом», стал для них идеальным Стифлером. Актер играл его как Ганнибала Лектера — персонажа, который не должен нравиться, но почему-то нравится.
Картина едва не получила рейтинг NC-17, что закрыло бы ей путь к основной целевой аудитории — подросткам. Американская ассоциация кинокомпаний (MPAA) была шокирована черновым монтажом. Режиссерам пришлось несколько раз возвращаться в монтажную и идти на компромиссы. Например, они торговались о допустимом количестве «фрикций» с пирогом и сократили сцену с Надей и веб-камерой. В итоге, после четвертой версии монтажа, фильм получил рейтинг R.
Несмотря на обилие пацанского юмора, «Американский пирог» стал фильмом, где женщины часто оказывались более раскрепощенными и решительными, чем мужчины. Как отмечала Элисон Хэнниган, «в этом фильме все решают женщины», и он во многом стал «кино для телочек».
Успех ленты оказался оглушительным и неожиданным даже для ее создателей. Она вышла в разгар летнего блокбастерного сезона, но смогла собрать более 100 миллионов долларов только в США. Фильм стал финальной точкой в буме подросткового кино 90-х, но и открыл дорогу для целой франшизы, включающей три продолжения с оригинальным составом и несколько спин-оффов. А его наследие — от внедрения в язык слова MILF до переосмысления роли женских персонажей в комедиях — продолжает жить и сегодня.
Крис Коламбус ответил на главный вопрос поклонников фильма «Один дома». Спустя 34 года после его выхода режиссер рассказал, кем работали Маккалистеры.
Не одно десятилетие зрителей интересовал этот вопрос, поскольку очевидно, что семейство не бедствует. Они могут позволить себе роскошный особняк и отдых всей многодетной семьей вместе с родственниками, а это немалые расходы.
Коламбус рассказал, что после того, как узнал о бесконечных дебатах в Сети, они с продюсером Джоном Хьюзом решили найти ответ на этот вопрос. «Кейт Маккаллистер в исполнении Кэтрин О’Хара была очень успешным модельером, о чем свидетельствуют манекены в семейном подвале. Что касается Питера Маккалистера в исполнении Джона Херда, то нельзя сказать наверняка. Но он мог бы работать в рекламе», — сказал Коламбус в интервью The Hollywood Reporter.
В одном режиссер уверен точно: Питер Маккалистер никогда не был связан с организованной преступностью. Он зарабатывал деньги исключительно честным трудом.
Недавно стало известно, что особняк из фильма «Один дома» вновь перепродали. Ранее Маколей Калкин объяснил, почему не купил недвижимость, несмотря на намерения.
Фильм «Кортик», снятый в 1973 году по повести Анатолия Рыбакова, подарил зрителям целую плеяду юных героев. Одним из самых запоминающихся стал пионер Мишка Поляков – идейный и харизматичный мальчишка, сыгранный 14-летним Сергеем Шевкуненко.
Казалось, у талантливого подростка блестящее будущее: его ждали новые роли и слава. Однако судьба актёра сложилась трагично, полностью повторив печальную шутку из фильма о его герое: жизнь превратилась в бесконечный цикл «украл – пропил – в тюрьму».
Сергей Шевкуненко рос без отца, и семья едва сводила концы с концами. Помощь пришла от режиссёра Эльдара Рязанова, который устроил мать Сергея на «Мосфильм». Так студия стала для мальчика вторым домом.
Однако в 13 лет характер подростка резко изменился: он забросил учёбу, связался с плохой компанией и состоял на учёте в милиции. Чтобы отвлечь сына, мать упросила режиссёра Николая Калинина взять его в кино.
И неожиданно открылся талант: за три года Сергей блестяще сыграл не только в «Кортике», но еще и в «Бронзовой птице», а также в «Пропавшей экспедиции». Ему пророчили великое будущее, но он свернул на кривую дорожку.
Жизнь Шевкуненко после звёздной роли пошла под откос. В 17 лет он получил первый срок за избиение мужчины. Выйдя, он снова сел – на этот раз за кражу в буфете «Мосфильма», куда устроился осветителем.
Дальше было хуже: грабежи прохожих, квартирные кражи, подозрения в убийстве заслуженной артистки Зои Фёдоровой (его причастность не подтвердили), сроки за запрещённые вещества и хранение оружия. В 1990-е он стал «авторитетом», известным под кличками «Артист» и «Шеф», возглавив преступную группировку.
Трагедия настигла его 11 февраля 1995 года: 36-летнего Сергея и его 76-летнюю мать нашли застреленными в собственной квартире. Это убийство так и осталось нераскрытым, поставив страшную точку в судьбе актёра, который так и не смог сбежать от своего уготованного сценария.
Ранее мы писали: Спившаяся Баба Яга и ребенок гусеница: из-за этих мультиков СССР у детей развивались психологические проблемы
Фото: Кадры из фильма «Кортик» (1954)
Ольга Назарова Теги: Советское кино Советские актеры Кортик Бронзовая птица
Военная драма «Группа крови» вышла еще в мае, она давно доступна в российских онлайн-кинотеатрах и даже успела съездить на зарубежные гастроли — фильм Максима Бриуса отправляли в КНР в рамках культурного обмена между дружественными странами (в ответ китайские товарищи прислали нам «Нанкинского фотографа»). Драма на основе реальной истории получила необыкновенно высокую оценку зрителей, а интерес к ней (судя по рейтингу сайта Кино-Театр.Ру) был выше, чем к блокбастеру «Волшебник Изумрудного города». К концу года Максим Гревцев решил закрыть гештальт, а заодно разобраться в различиях между кино и кинопамятником — проблеме, в которой, очевидно, и нужно искать ключик к пониманию проекта и его странного сообщения с реальностью.
фото: Кадр из фильма "Группа крови" / Кинокомпания "Триикс Медиа", "Газпром-Медиа Холдинг", Российское военно-историческое общество, "Движение Первых" Ноябрь 1943 года. По дорогам оккупированной немцами Ленинградской области катится трофейная полуторка. Гремят рессоры, зеленый брезент с вышитым на нем красным крестом изрешечен осколками, на борту — не сулящая ничего хорошего надпись «Дезинфекция». Машина въезжает в ворота старого пионерлагеря, по которому, как у себя дома, разгуливают безликие злодеи в серых шинелях. Вытаскивают на мороз десяток детей разного возраста — сироток, которых нацисты собирают с прифронтовых территорий. Наспех проводится формальная встреча, фотографирование в компании начальника приюта Фабро (зловеще зыркающий Петар Зекавица), после чего «новых ублюдков» отправляют в бараки, повесив на шеи брелки с маркировкой по системе АВО. Умудрившихся в последний момент сбежать мальчишек догоняют и убивают, чтобы потом выбросить на плацу в назидание остальным. Русские воспитательницы смотрят на это кто с холодным равнодушием, а кто и со слезами на глазах — последним советуют к питомцам особенно не привязываться. Как бы немецкое руководство не пыталось изображать гуманность, все отлично понимают: не приют это и не «Гнездо», как его именуют охранники, а концлагерь. И не просто так при нем действует станция по отбору крови.
Добрая русская медсестра Наталья (Екатерина Домашенко) потом объяснит одному из плененных мальчишек — раненых у немцев так много, что донорской крови отчаянно не хватает. Вот рейхсфюрер Генрих Гиммлер и разрешил тайно выкачивать ее из детей, пусть даже и не арийцев. Герои «Группы крови» — подростки, пленные, жестокие фрау-надзирательницы в черных шляпках — еще не знают, что подобные донорские фабрики действуют по всему фронту: Саласпилсский концлагерь в Латвии, Красный Берег и Семково в Белоруссии… В этом списке числится и пионерлагерь «Костер» под поселком Вырица, где как раз ожидается масштабное наступление советской армии. Крови немцам понадобится много, а потому шансы ребятишек на выживание стремятся к нулю: выпьют все без остатка. Кому-то все же удается выбраться при помощи той же Наталии, ночами переправляющей отданных ей «на процедуры» за пределы лагеря. Другие попытаются сбежать сами (зрителю уже показали, чем это заканчивается). Третьи — останутся и зафиксируют гекатомбы, на которые захватчик обрек сотни, тысячи и миллионы.
фото: Кадр из фильма "Группа крови" / Кинокомпания "Триикс Медиа", "Газпром-Медиа Холдинг", Российское военно-историческое общество, "Движение Первых" Страшных картинок в ленте Максима Бриуса в избытке: от карикатурных немцев, деловито рассуждающих о военных преступлениях до стылых моргов, заваленных детскими трупами. Но история Вырицкого лагеря реальна, и фильм стремится не упускать из виду задокументированные воспоминания его узников. Это из них в сюжет пришла любовь лагерного начальника кататься по своим владениям на тройке с бубенцами (хотя думалось — вот это уж это точно выдумка сценаристов для нагнетания атмосферы) и подвижничество иеросхимонаха Серафима (Алексей Нилов), по мере сил снабжавшего обитателей «Гнезда» теплыми вещами и какой-никакой едой. Очевидцы же рассказывали о наказаниях, которым подвергались дети за то, что называли свое обиталище концлагерем: администрация не собиралась предавать свою работу огласке. Следы их преступлений вскрылись только в начале шестидесятых, когда на размытых берегах реки Оредеж начали находить детские скелеты. А официально преступление и вовсе признали только в 1993 году.
Упор на документальность вроде бы и похвальный, но вот рассуждать о «Группе крови», ее подтекстах и подводных камнях бессмысленно — хотя бы потому, что все идеи фильма еще до его премьеры были вынесены в заголовки интервью его создателей. Кроме патетичных речей о том, что фильм невозможно смотреть без слез (простите, но возможно — зритель бывает разный) регулярно звучал один и тот же нарратив о необходимости сохранения исторической памяти. Как раз отгремел новый раунд судебных процессов о геноциде советского народа во время Великой Отечественной войны, под Гатчиной открылся соответствующий мемориальный комплекс (его в «Группе крови» тоже показали — как отчет, что ничто не забыто). На этом фоне поддержку фильму студии «Триикс Медиа» («Невский», «Небо») оказали Российское военно-историческое общество и Национальный центр исторической памяти при президенте РФ. Никто, собственно, и не скрывает, что «Группа крови» — тоже своего рода продолжение строящихся по всей стране столпов, только переведенное в киноформат. Лента получилась антидискусионной в самой сути, потому как рассуждать тут не о чем. Все, что от нее требовалось — фиксировать одну всеполглощающую идею, выраженную емкой максимой «Больше — никогда».
фото: Кадр из фильма "Группа крови" / Кинокомпания "Триикс Медиа", "Газпром-Медиа Холдинг", Российское военно-историческое общество, "Движение Первых" Для памятника — неважно, бронзового или пленочного — подобное туннельное зрение оправданно идеологически, да и эстетически жизненно необходимо: лишние вопросы, комментарии и сценарные фигуры вредят гармонии монументальной пропаганды. Необремененный рассуждениями «28 панфиловцев» был воспринят благосклонно именно потому, что не давал себе распыляться — как говорил один из его героев, «спокойно жёг танки», иногда подмигивал спорам о правдивости героической обороны. Аналогичная прямолинейность была впору и «Подольским курсантам», и даже прилично удалившемуся от категорий адекватности комиксу «Танки». Есть и примеры того, как нанесение на формулу дополнительных смыслов вредит результату. «Ржев» из страшного военного кино уже к середине превращался в адское попурри с припадочными комиссарами и дерзкими урками, что выглядело не просто неуместно, но даже довольно оскорбительно. А «Коридор бессмертия» — конвенциональная драма о подвиге ленинградских железнодорожников — зачем-то ввернула в финал историю о вывозе из осажденного города циклотрона; весь героизм машинистов и вагоновожатых ужался до подспудного участия в создании советской атомной бомбы. У создателей «Группы крови» была масса примеров, как делать не надо. Есть вещи, над которыми лучше не экспериментировать — тем более за государственный счет.
Поэтому тут нет выразительной оптики «Войны Анны» Алексея Федорченко — должно быть, самого удивительного фильма о ребенке на войне из снятых в этом веке. С другой стороны, в ней не может быть и томного прощания с душкой-нацистом, как в «Т-34». До фильма Максима Бриуса тренд на поиск человечности в бывших врагах не докатился хотя бы из-за того, что «бывших» врагов в его парадигме не бывает, зато есть четкое разделение на своих и чужих. Прислуживающий немцам в лагере мужик Василич (Иван Трус) хоть и тянет на себе все нацистское хозяйство, но втихаря прячет в ветвях рождественской елки вырезанную из картонки красную звездочку — он, конечно же, свой. Как и живущие в Вырице обыватели, старающиеся укрыть немногих сбежавших из «Гнезда» ребят. А вот разодетая в меха военно-полевая жена главного злодея Кокошкина (Карина Андоленко) — первостатейная вражина, пусть и говорит с хорошо поставленным МХАТовским прононсом. Исчезает из фильма, напоследок лизнув немецкий сапог; ее судьба после этого унизительного акта авторов уже не интересует.
фото: Кадр из фильма "Группа крови" / Кинокомпания "Триикс Медиа", "Газпром-Медиа Холдинг", Российское военно-историческое общество, "Движение Первых" Впрочем, невнятность судеб отдельных героев — не единичный случай, а системная для «Группы крови» история, роднящая его даже не со старым советским, а современным китайским военным кино. Как в «Восьми сотнях» и «Нанкинском фотографе», трагедия приходит в жизнь не конкретного героя, а коллективного народного организма; такой вот чисто социалистический подход, противопоставленный привычному драматургии индивидуализму. Как бы фильм не пытался выделить главных действующих лиц — разлученных брата и сестру (Андрей Рудыка, Ева Уилльямс), местного бойкого Гавроша Степку (Даниил Рубашевский), вынужденную служить убийцам санитарку (Анна Дюкова) — по отдельности он с ними работать не в силах; это все равно что вырвать фигурку из картины Ильи Глазунова. Кто-то погибнет, кого-то успеют спасти подступающие к Вырице солдаты в белоснежных маскхалатах — это уже не так важно, «Группа крови» фиксирует трагедию, а не ищет спасения. В финале актеры и актрисы придут к новому памятнику и молча посмотрят на вечный огонь, отдавая дань памяти всем, чья жизнь прервалась в том кровавом лагере.
По-хорошему приходить им нужно было не к свежему монументу в Гатчине, а как раз таки к скромной памятной стеле в Вырице, поставленной на деньги местных жителей полвека тому назад. Но земля, на которой во время войны стояли бараки детского лагеря смерти, по данным региональных журналистов отдана под стройку гостиничного комплекса. Это к кино и новым символам уже никакого отношения не имеет. Разве что к той самой памяти, к которой они стараются зрителя призывать.
Издание The Hollywood Reporter опубликовало свой праздничный рейтинг самых просматриваемых новогодних фильмов – от классики, проверенной временем, до современных хитов. В подборку вошли картины, которые создают атмосферу Рождества и Нового года, сочетая юмор, приключения и семейные ценности.
Топ-10 новогодних фильмов по версии The Hollywood Reporter:
1. «Миссия: Красный»
Кадр из фильма «Миссия: красный»
«Миссия: Красный» лидировал и набрал почти 6 миллионов просмотров. Динамичное праздничное приключение, в котором рождественская мифология сочетается с экшеном и юмором. Фильм предлагает современный взгляд на новогоднюю сказку с неожиданными поворотами сюжета.
2. «Один дома»
Кадр из фильма «Один дома»
Абсолютная классика жанра набрала около 5 миллионов просмотров. История Кевина Маккалистера, случайно оставшегося дома на Рождество, уже несколько десятилетий остается главным символом семейных праздников.
3. «Один дома 2»
Кадр из фильма «Один дома 2»
Продолжение культовой комедии набрало почти 4 миллиона просмотров и переносло героя в заснеженный Нью-Йорк, где его вновь ждут ловушки, приключения и встреча со старыми врагами.
4. «Эльф»
Кадр из фильма «Эльф»
Теплая и искренняя комедия чуть не дотянула до 4 миллионов. Главный герой вырос среди эльфов на Северном полюсе. Фильм напоминает о важности веры в чудо и настоящего рождественского духа.
5. «Гринч»
Кадр из мультфильма «Гринч – похититель Рождества»
Анимационная версия знаменитой истории о зеленом ворчуне, который ненавидит Рождество. Современная визуальная подача делает знакомый сюжет привлекательным для новой аудитории. Мультфильм набрал 3,4 миллиона просмотров.
6. «Рождественские каникулы»
Кадр из фильма «Рождественские каникулы»
Комедия о семейных праздниках, которые идут не по плану. Фильм с иронией показывает хаос, знакомый многим во время новогодних встреч с родственниками. Хоть и фильм не современный, но тем не менее набрал 3,3 миллиона просмотров.
7. «Рождественская история»
Кадр из мультфильма «Рождественская история»
Классическая экранизация произведения Чарльза Диккенса о Скрудже и трех духах Рождества набрала 3 миллиона просмотров. Вечная история о раскаянии, доброте и втором шансе.
8. «Гринч– похититель Рождества»
Кадр из фильма «Гринч – похититель Рождества»
Игровая версия с Джимом Керри, ставшая культовой также набрала 3 миллиона просмотров. Яркий грим, эксцентричная игра актера и запоминающийся юмор сделали фильм рождественским хитом.
9. «Санта-Клаус»
Кадр из фильма «Санта Клаус»
Семейная комедия о том, как обычный человек неожиданно становится настоящим Санта-Клаусом набрала 2,3 миллиона просмотров. Легкая и добрая история об ответственности и волшебстве.
10. «Полярныйэкспресс»
Кадр из мультфильма «Полярный экспресс»
Анимационное путешествие к Северному полюсу, наполненное атмосферой чуда набрало 2,1 миллиона просмотров. Фильм подчеркивает важность веры в Рождество и детской искренности.
Также ранее мы писали о том, какие еще фильмы и сериалы посмотреть на новогодних каникулах, читай о них здесь.
Образ Татьяна Огнева из «Разных судеб» остался в памяти народа – жесткий, холодный, почти ненавидимый зрителями. Актриса, сыгравшая его, прожила совсем другую жизнь – куда более длинную, изломанную и упрямую. В 97 лет Татьяна Пилецкая по-прежнему выходит на сцену, скучает по кино и не скрывает: жить «в удовольствие» у нее не получается.
Немецкая фамилия, балет и блокада
Родилась она 2 июля 1928 года в Ленинграде под фамилией Урлауб. Отец, инженер-химик Людвиг Урлауб, дружил с Кузьмой Петровым-Водкиным – именно он стал крестным Тани и однажды написал ее портрет «Девочка с куклой».
Картина сегодня хранится в музее Куму в Таллине.
По совету Петрова-Водкина девочку отдали в Ваганьковское училище. Балет давался, но театр манил сильнее. Война оборвала детство: эвакуация на Урал, блокадный Ленинград без родителей, гибель брата на фронте, репрессированный отец.
Как немца его отправили в ссылку на 15 лет. Татьяне пришлось отказаться от отчества Людвиговна.
«Тяжело было отказываться от папиного имени, но это был вопрос жизни», – вспоминала она.
После войны – бедность без прикрас. Вещи несли в ломбард, мать работала сторожем, достатка не было годами. Этот опыт Пилецкая помнила всегда.
«Разные судьбы» и клеймо злодейки
В кино она пришла через массовку «Ленфильма». Первая заметная роль – в «Княжне Мери», а затем случились «Разные судьбы». Татьяна Огнева вышла настолько убедительной, что актрису надолго записали в «злюки».
Зрители путали экран с жизнью – классическая история советского кино.
После были «Мечты сбываются», «Зеленая карета», «В старых ритмах», десятки ролей, но одна так и осталась несбывшейся. Сергей Герасимов планировал фильм о Наталье Гончаровой, где Пилецкая должна была сыграть Натали Пушкину. Картина так и не была снята.
Театр длиной в жизнь
Кино со временем ушло на второй план. Театр остался. Пилецкая служит сцене около 60 лет и даже в 90+ продолжает выходить к зрителю. Она признавалась, что ненавидит безделье, а свободные дни переносит хуже репетиций.
«Невозможно сидеть без дела. Я так привыкла, остановиться не могу», – говорила она.
Каблуки, длинные вечера, усталость после спектаклей – все по-прежнему. Ритуал прост и почти легендарен:
«Корвалольчику накапаю и спать».
Сдаваться она не собирается.
Личная жизнь почти без мелодрамы
Первый брак – с капитаном первого ранга Константином Пилецким, рождение дочери Натальи. Долгие разлуки, развод. Второй союз – с актером Вячеславом Тимошиным, завершившийся его уходом к другой. Самым спокойным оказался третий брак – с Борисом Агешиным. Его смерть в 2018 году стала тяжелым ударом.
«Я одна, и это очень плохо», – призналась Пилецкая спустя годы.
От одиночества ее спасает театр. Без сцены, по ее словам, биография могла сложиться совсем иначе.
Современное кино и роль Вечной Алисы
Последнее появление на экране – «Северный ветер» Ренаты Литвиновой. Пилецкая сыграла Вечную Алису, главу северного клана. Роль получилась символической – почти прощальной, посвященной памяти Киры Муратовой.
И все же актриса признается: она скучает. В 96 лет Пилецкая говорила, что ее не приглашают сниматься, и это ее потрясает.
«С радостью бы снялась в исторической картине или в хорошем сериале, даже маленький эпизод станет для меня большим подарком! Скучаю без кинематографа, которому я отдала много лет».
Пенсия, на которую не разгуляешься
Возраст не отменил бытовых проблем. Пилецкая открыто говорит о деньгах: одной пенсии не хватает, чтобы путешествовать или «пожить в удовольствие». Она продолжает работать в театре и сцену оставлять не планирует.
Немецкая фамилия, блокада, нищета, слава, забвение, каблуки в 90+, жалобы на пенсию и все та же сцена, которая лечит. Танечка Огнева давно осталась в прошлом, а ее актриса до сих пор идет на работу – упрямо, красиво и без желания ставить точку.
Ранее мы писали: Спившаяся Баба Яга и ребенок гусеница: из-за этих мультиков СССР у детей развивались психологические проблемы
Фото: Кадры из фильмов «Золушка» (1947), «Разные судьбы» (1956), «Зелёная карета» (1967), «Северный ветер» (2020), «Па-де-де» (2021)
Алексей Плеткин Теги: Советские актеры Советское кино Личная жизнь звезд Разные судьбы Татьяна Пилецкая
